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466 1 Jan van Eyck-Matrimonio Arnolfini-1434-Nat Gallery,Londres 1

“Matrimonio Arnilfini”
Autora: Cristina LLoves 2ºF

1. CONTEXTO HISTÓRICO
El arte gótico es un estilo que surge en Francia y se expande por Occidente, gracias a las cruzadas, y América, desde mediados del siglo XII hasta la implantación del Renacimiento (siglo XV/XVI).
Durante esta época comienza el renacer de las ciudades, creciendo los clientes del arte: burguesía, gremios y poder municipal. Así mismo nacen las órdenes mendicantes (franciscanos, dominicos…) que empiezan a valorar al hombre y a la naturaleza. Las escuelas catedralicias evolucionan en universidades donde se da gran importancia al Naturalismo, concibiendo a Dios como el gran arquitecto del universo. La catedral gótica constituye la fusión de teología y técnica, convirtiéndose en el símbolo de la iglesia espiritual.
Se produce una evolución gradual del gótico: nacimiento en la segunda mitad del S.XII en Francia, gótico pleno en el S.XIII; gótico tardío en el S.XIV; gótico flamígero o isabelino es España en el S.XV. En el S.XVI se anuncia el Renacimiento.
2. CARACTERÍSTICAS GENERALES
La pintura flamenca destaca principalmente por introducir nuevas técnicas en el mundo de la pintura: el óleo sobre madera y el pequeño formato sobre caballete. Los artistas flamencos comparten asimismo el gusto por la realidad y el detalle, siendo constante la representación de las emociones y sentimientos de los personajes, al igual que la representación detallista del paisaje. Aquí se aprecia la influencia de las miniaturas (gran minuciosidad y colores brillantes), además de la de la escultura, en el aspecto pétreo y acartonado de los pliegues de los ropajes. Por otro lado cabe destacar el interés de los artistas por el movimiento, la humanización de la religiosidad (ausencia de temas mitológicos), y la creciente importancia de la burguesía en el mundo artístico, generalizando el encargo de retratos.
3. EXPLICACIÓN EN PROFUNDIDAD DE LA OBRA
El Matrimonio Arnolfini es un cuadro, al óleo, de Jan Van Eyck, célebre pintor de la escuela flamenca, conocido por obras como el retrato del Hombre del Turbante Rojo o Políptico del Cordero Místico, realizado junto a su hermano Hubert.
Esta obra representa un matrimonio morganático es decir, entre miembros de diferentes clases sociales. A pesar de simbolizar un tema que ha sido representado repetidamente a lo largo de la historia, esta obra retrata una escena cotidiana, lo que la diferencia de las demás. Como ya he mencionado, la obra simboliza el matrimonio y la fidelidad, siendo elementos importantes el roce de las manos de los personajes y la representación de la mujer como si estuviera embarazada, destacando así la relevancia de la fecundidad en este aspecto.
En el cuadro se aprecian claramente las características generales de la pintura de la escuela flamenca, incidiendo especialmente en el uso del color. El pintor logra un equilibrio a través del contraste entre el verde del ropaje de la mujer, el azul de las mangas, el rojo de las cortinas y el blanco del paño bordado, el cual a su vez es un claro ejemplo de la minuciosidad característica de esta escuela. Asimismo destacan las texturas representadas; desde las telas de aspecto pétreo del vestido hasta el pelo del perro (símbolo de fidelidad), pasando por el delicado terciopelo de las vestimentas del hombre. Cabe destacar también la disposición del cuadro, estando situados los personajes principales en el centro de una sala cerrada y pequeña, pero en la que encontramos el característico punto de fuga de esta época. En el lado izquierdo de la obra localizamos pues una ventana que permite al espectador huir del cuadro y percibir algunos elementos del mundo urbano que empezaba a desarrollarse. Cerca de la ventana encontramos también unas frutas sobre una mesa que recuerdan a los bodegones propios de épocas posteriores, lo que puede sugerir el comienzo de las representaciones de la naturaleza muerta. Si nos fijamos detenidamente podemos apreciar que en el espejo que se encuentra en la pared del fondo de la imagen se halla representada a modo de reflejo la escena que en ese momento se encuentra ante los protagonistas, lo que proporciona una mayor sensación de amplitud. Éste espejo de ojo de buey, tiene a su alrededor pequeños círculos en los que encontramos representados escenas de la Pasión de Cristo, otro claro ejemplo del gusto por el detalle de la escuela, y sobre él encontramos también la firma del autor.
Así pues, se trata de la representación de una escena cotidiana que recoge a su vez todas las características generales de la pintura de la escuela flamenca

 

jambas

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  • Autora: Arancha González Díaz (2º F)

Arte gótico “Jambas de la Catedral de Reims”

1.- Contexto histórico

El arte gótico es un estilo que surge en Francia y se expande por Occidente, gracias a las cruzadas, y América, desde mediados del siglo XII hasta la implantación del Renacimiento (siglo XV/XVI).

Durante esta época comienza el renacer de las ciudades, creciendo los clientes del arte: burguesía, gremios y poder municipal. Así mismo nacen las órdenes mendicantes (franciscanos, dominicos…) que empiezan a valorar al hombre y a la naturaleza. Las escuelas catedralicias evolucionan en universidades donde se da gran importancia al Naturalismo, concibiendo a Dios como el gran arquitecto del universo. La catedral gótica constituye la fusión de teología y técnica, convirtiéndose en el símbolo de la iglesia espiritual.

Se produce una evolución gradual del gótico: nacimiento en la segunda mitad del S.XII en Francia, gótico pleno en el S.XIII; gótico tardío en el S.XIV; gótico flamígero o isabelino es España en el S.XV. En el S.XVI se anuncia el Renacimiento.

2.- Características generales de la escultura gótica

Dentro de las características generales, cabe destacar que esta escultura supone una ruptura con la del periodo anterior, ya que comienza a darse gran importancia al naturalismo, con cierta idealización tanto en la figura humana como en la naturaleza. Además es importante la relevancia que adquieren las escenas narrativas en las que se representan estados de ánimo opuestos: alegría y dolor. Gracias al altorrelieve, la escultura adquiere corporeidad. Los temas siguen siendo religiosos, como encarnaciones del Dios amor, del Dios dolor y como escenas de la vida cotidiana. Dentro de los temas religiosos, la temática mariana comienza a imponerse, convirtiéndose María en una madre, que abandona la frontalidad, para dar paso a una figura que se relaciona con su hijo. Una gran diferencia con el arte románico es la representación escultórica del crucificado  doliente con tres clavos. Sin embargo, en el gótico encontramos también elementos arcaicos en los temas, con esculturas de monstruos y demonios representando el mal y el infierno. Lo más relevante y característico que encontraremos en este periodo es el comienzo de la individualización de rostros y expresiones, que adquirirán también un gran naturalismo y una ligera captación psicológica; y el canon alargado y esbelto de unas figuras que, poco a poco, empezarán a salir de la arquitectura, convirtiéndose en esculturas exentas.

3.- Explicación en profundidad de la obra

Estamos ante las jambas de la catedral Reims, lugar en el que la escultura gótica francesa del siglo XIII adquiere su madurez en estilo. Estábamos acostumbrados a que la movilidad de la fachada se encontrase en el tímpano, siendo las jambas rígidas a modo de fuste de columna. Sin embargo, por primera vez en Reims, encontramos en las jambas unas figuras que se mueven con naturalidad, olvidando el papel de elemento arquitectónico e integrándose en el dinamismo de los fieles que acuden al tempo.

Es de gran importancia destacar las dos escenas que se representan en las jambas de la derecha. En primer ligar encontramos la Anunciación, motivo que muestra el anuncio de la próxima maternidad de María por el ángel Gabriel. Éste último aparece vestido con una túnica con pliegues amplios y diagonales, recogida en las caderas. Su rostro, en el que se distinguen los carrillos y los pliegues alrededor de los ojos, muestra una sonrisa gótica, pero no como símbolo de la alegría, sino como santidad. Por otro lado encontramos la figura de la Virgen, con rostro serio e inexpresivo, en el que los ojos y la boca son simplemente incisiones en la piedra. Sus ropajes son, al igual que en el Ángel, verticales a modo de columna. Por todas estas características podemos afirmar que estas obras pertenecen a un escultor de la escuela centroeuropea. En segundo lugar, encontramos la Visitación de María a Isabel. Ambas portan unos ropajes similares con pliegues estrechos y abundantes que recuerdan a la técnica de paños mojados del escultor griego Fidias. Otra característica que nos transporta a la antigua Grecia, es la postura que las figuras muestran, dejando el peso apoyado sobre una pierna, como ya hizo Policleto o Praxíteles. Las dos esculturas se giran buscando comunicación (mirada). Isabel simboliza la edad, al ser representada con la cara arrugada y con aspecto de ser más mayor que María. La Virgen, en cambio, se muestra con una belleza juvenil especial. Podríamos decir que estos prototipos de belleza clásica recuerdan a las cariátides del Erecteion, bien por su pelo, su ropa… Con todas estas características es fácil afirmar que, a diferencia del escultor de la Anunciación, esta escena fue esculpida por un maestro de la escuela clásica.

La belleza y el talento del Cincueccento

El Partenón (s.V a.d.C)

Este pudo ser el aspecto original que mostraba el interior del Partenón, con la magnífica escultura de la diosa Atenea obra de Fidias.

Una gigantesca imagen de madera, de unos once metros de altura, como un árbol, totalmente recubierta de materias preciosas: la armadura y las guarniciones, de oro; la piel, de marfil. Estaba también llena de color brillante y vigoroso sobre el escudo y otros lugares de la armadura, sin olvidar los ojos hechos de piedras preciosas resplandecientes. En el dorado yelmo de la diosa sobresalían unos grifos, y los ojos de una gran serpiente enrollada en la cara interior del escudo estaban marcados también, sin duda, por dos brillantes piedras. Debió haber sido una visión atemorizadora y llena de misterio la que ofrecía al ingresar en el templo y hallarse, de pronto, frente a frente con esa gigantesca estatua.

Arte “ecológico”

También con material reciclado, como botellas de plástico, se pueden hacer cosas tan espectaculares como esta…
 

 

Riusuke Fukahori pinturas en tres dimensiones sobre capas de resina

Estudio técnico y restauración de La Gioconda del Museo del Prado

El Hermitage en el Prado

Retablo de la Cartuja de Miraflores (Gil de Siloé)

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Análisis del Pórtico de la Gloria…muy interesante!